TAG: Сергей Чобан (Sergei Tchoban)

«Рисовать современную архитектуру – необходимо»

01.03.21
18:11
Категории: | Новости | Архитектура

В седьмом Международном конкурсе архитектурного рисунка Сергей Чобан выступает не только председателем жюри, но и куратором новой номинации «Рисуя современную архитектуру». Публикуем материалы его лекции, посвященной этой теме. 

 

Cергей Чобан. Архитектор, основатель Фонда — Музей архитектурного рисунка в Берлине, председатель Жюри конкурса «АрхиГрафика». ©HolgerTalinski 

«Архитектурный рисунок всегда был для меня не только средством коммуникации, но и значимым способом исследования среды современных городов, размышлений на тему того, чем архитектура является сегодня, в эпоху, когда разноплановость ее развития достигла своего апогея. И здесь я, конечно, не могу полностью отделить свою рисовальную практику от работы архитектора: в основе обоих видов деятельности лежат раздумья на одну и ту же тему – как сегодня делать города интересными, как без слепого подражания и копирования создавать мизансцены, по своему качеству и визуальной интриге достойные лучших исторических образцов. 

Архитектурная фантазия. Римский форум, 2013. Бумага, карандаш, тушь, перо, акварель, 500 x 700 мм 

Вынужден констатировать, что, как и подавляющее большинство современных рисовальщиков, я в своих работах гораздо охотнее обращаюсь к романтике руины, романтике старой архитектуры. Основная причина этого хорошо понятна: историческая архитектура радует глаз своей материальностью, очень точно проработанными деталями и – как следствие – способностью красиво, достойно стареть. При этом все мы понимаем, что современной нам архитектуре присуща совершенно иная эстетика. Мы носим другую одежду, мы ездим не на инкрустированных каретах, а на стремительных машинах и еще более стремительных поездах, пользуемся всевозможными гаджетами. И архитектура нашего нынешнего мира с его безумными скоростями стала совершенно иной. Почему же она меньше волнует карандаш и реже вызывает желание рисовать?

Архитектурные контрасты 4, улица, 2015. Бумага, уголь, 593 x 420 мм

Думаю, дело в том, что плотность поверхности современной архитектуры гораздо ниже. Огромному количеству наслоений, характерных для исторических зданий, современная архитектура противопоставляет буквально две-три линии, которые ограничивают, собственно, сам объем здания. Исследовать взаимоотношения двух этих миров мне чрезвычайно интересно. Вот, например, рисунок, который я сделал в прошлом году в Мумбаи, фиксирует в прямом смысле столкновение викторианской постройки с модернистским зданием 1960-х годов, которое врезается в исторический объем.

Столкновение эпох, Мумбаи, Индия, 2018. Бумага, тушь, 485 х 351 мм

Я довольно часто использую этот рисунок в своих лекциях в качестве иллюстрации того, чем, собственно, современная постройка отличается от исторической, и того, насколько модернизму присуще стремление к чистоте приема и лаконизму формы. Эта архитектура минималистична и элегантна, и традиция эта прослеживается с 1920-х годов, в частности, с построек русских конструктивистов: прекрасными примерами могут служить, например, ДК имени Зуева на Лесной улице в Москве (арх. Илья Голосов, 1927-1929), или Клуб имени Русакова на Стромынке в Москве (арх. Константин Мельников, 1929). 

Здание Дома культуры им. Зуева, Москва, 2016. Бумага, уголь, 305 x 405 мм

Если сравнивать эту архитектуру с частотой и плотностью линий, присущих исторической постройке, как рисовальщик ты мгновенно оказываешься один на один с предельно лаконичной поверхностью ее фасадов, не находя каких-либо «зацепок» для интерпретаций и трактовок. Рисуя (и проектируя, кстати, тоже) такую архитектуру, гораздо проще допустить неточность. И еще более сложной натурой в этом смысле является архитектура позднего модернизма, для которой характерно сочетание крупных лаконичных форм и произведений монументального искусства. Развитием такой архитектуры, как известно, занимался весь мир, и особенно активно страны социалистического лагеря. Мне довелось, например, рисовать здание ректората Университета Мехико с фресками Альфаро Сикейроса. 

Университет, Мехико. Вид здания ректората с фресками Альфаро Сикейроса, справа Центральная библиотека, 2015. Бумага, сепия, тушь, акварель, 310 x 409 мм

Есть у меня и фантазия на тему квартала, иллюстрирующая сам этот художественно-декоративный подход модернизма к украшению огромных плоскостей. Как известно, после краха Советского союза такая архитектура отошла на задний план, как бы исчезла из поля зрения искусствоведов и тем более широкой общественности, что, на мой взгляд, несправедливо по отношению к ее художественным достоинствам. В Германии отдельные постройки с подобного рода фризами и декоративными панно на фасадах сегодня постепенно оказываются на листе охраны – и мне кажется, движение за сохранение подобных ярких памятников своего времени должно постепенно лишь стать нормой. 

Музей по проекту Оскара Нимейера, Нитерой, 2012. Бумага, тушь, 310 x 406 мм 

Если же продолжить разговор о выразительности модернизма и тех возможностях, которые открываются перед рисовальщиком, когда он оказывается с лучшими образцами этого стиля один на один, то невозможно не упомянуть постройки Оскара Нимейера. Его творчество в свое время стало для меня невероятно интересным предметом для изучения – я специально ездил в Бразилиа для того, чтобы увидеть его здания в реальности и нарисовать их. 

 

Дворец Правосудия. Бразилиа, 2012. Бумага, тушь, акварель, 308 x 408 мм 

И я считаю этот опыт чрезвычайно важным для себя и рекомендую совершить подобную поездку каждому, кто хочет заниматься архитектурой: только увидев эти иконы модернизма вживую, то, как они живут и как стареют, а также соотнеся их масштаб со своим, можно понять язык современной нам архитектуры. Скажем, Кафедральный собор Бразилиа – снаружи это здание, которое практически не воспринимается как сакральное, в том числе и за счет своей предельно лаконичной формы, образованной несколькими простыми линиями, но изнутри гигантское пронизанное светом пространство полностью захватывает тебя. 

Cобор в Бразилиа, 2012. Бумага, тушь, 310 x 408 мм

Или, например, здание Национального конгресса. В нем, строго говоря, нет ни одной детали, за которую глаз мог бы зацепиться, это архитектура чистых форм, которые найдены настолько звеняще точно, что кажутся инопланетными. Мне во время той поездки посчастливилось встретиться с Оскаром Нимейером, и он сказал, что его архитектура – как «гряда гор Копакабаны» – плавная линия подъемов и спусков, которая была видна из эркера его ателье в Рио.

Здание Национального конгресса в Бразилиа, построенное по проекту Оскара Нимейера в 1960-м году, 2012. Бумага, тушь.

Посмотрите на его постройки – все действительно так и есть: сочетание крупных скульптурных объемов в здании парламента или колоннада в виде мягкой параболы в Президентском дворце Алворада – это торжество формы, лишенной каких-либо деталей. И такое же ощущение оставляет музей в Нитерое – мой рисунок этого здания, кстати, в свое время был использован в качестве иллюстрации неземного пейзажа на выставке работ Кена Адама. 

Президентский дворец Алворада в Бразилиа (Оскар Нимейер, 1958), 2012. Бумага, тушь. 

К слову, архитектурный язык Нимейера за кратчайший период строительства центра Бразилиа придумал и «напел» мелодии практически всех архитектурных шлягеров с криволинейными разнообразными объемами, которые активно применяются до сегодняшнего дня. Посмотрите на формы современных небоскребов и столь популярных сегодня музеев современного искусства, обзавестись которым считает своим долгом каждый более-менее состоятельный город.

Культурный центр «Вулкан» в Гавре, архитектор Оскар Нимейер, 1981, 2016. Тонированная бумага, пастель.

Модернизм оставил нам колоссальное по своим масштабам наследство, и, увы, в массе своей оно очень редко вызывает желание рисовать, искать интересные ракурсы, делиться такой «картинкой города». Одно из известных мне исключений – французский город Гавр. Как известно, он очень сильно пострадал от бомбардировок в ходе Второй мировой войны, и в послевоенные годы центральная часть этого города была заново застроена по проекту архитектора Огюста Перре. Одним из символов Гавра стал концертный зал «Вулкан» Оскара Нимейера. Это здание организовано в соответствии с излюбленным приемом этого архитектора, когда на главной площади спускаешься вниз, как бы вглубь пространства, и оказываешься в каком-то своем, абсолютно, изолированном со всех сторон мире, и из этого мира вырастают, казалось бы, совершенно лишенные и масштаба, и детали формы, завораживающие своей мощью. К слову, в 2005 году ЮНЕСКО внесла центр города Гавр в список Всемирного наследия за «инновационное использование возможностей бетона». Это один из редких современных объектов Всемирного наследия в Европе, которых со временем, я надеюсь, все-таки станет больше.

 

 Музей Гуггенхайма в Бильбао, архитектор Фрэнк Гери, 2017. Бумага, пастель, уголь, 325 x 403 мм

Центральное место среди тем, которые занимают меня как рисовальщика, отведено так называемым иконам или доминантам – зданиям, которые безусловно выделяются на фоне своего окружения. Как правило, это здания-скульптуры, подчеркнутая индивидуальность форм которых служит выражением и прямым следствием тех уникальных функций, которые они выполняют в структуре города. И если в прошлые века роль таких объектов играли, как правило, храмы или главные административные здания (например, ратуши или королевские дворцы), то сегодня типология икон сместилась в сторону штаб-квартир корпораций и, конечно, объектов культуры, в первую очередь, музеев, в том числе музеев современного искусства, здания которых зачастую многократно более выразительны и сложны, чем показываемые в них экспозиции. Конечно, хрестоматийный пример, которые сразу приходит в голову – это музей Гуггенхайма в Бильбао Фрэнка Гери. В прошлом году я специально съездил в Бильбао, чтобы посмотреть, каким стал музей спустя 20 с лишним лет после открытия. Конечно, я не только посмотрел, но и нарисовал это знаменитое здание – вместе со стоящей перед ним скульптурой работы Луиз Буржуа оно исполняет своего рода танец формы, конечно, абсолютно лишенный какой-либо привычной детальности.

 

«Танцующий дом» в Праге, архитектор Фрэнк Гери, 2017. Бумага, перо, кисть, сепия, 237 x 328 мм

Еще одно здание Гери – и тоже связанное с темой танца, даже больше связанное, чем музей в Бильбао, – это «Танцующий дом» в Праге, который изначально проектировался как офисное здание, но в итоге стал отелем. Обращенный к набережной Влтавы, этот дом решен в виде двух цилиндров, один из которых выполнен из бетона и расширяется кверху, а второй полностью остеклен и расширяется, наоборот, книзу, напоминая развевающуюся на ветру юбку. «Танцующий» фасад собран из 99 заранее изготовленных бетонных панелей, каждая из которых имеет индивидуальную форму. Любопытно, что в течение нескольких лет после окончания строительства здание подвергалось сверхрезкой критике со стороны пражской общественности, считавшей, что оно «своим нетрезвым видом» оскорбляет город и особенно близлежащие особняки. И хотя со временем здание было признано одним из символов Праги, я, признаться, по-прежнему считаю его спорным. Оно, конечно, поражает своей формой, но за счет своей, очень измельченной и все же слишком простой детали, одновременно создает ощущение какого-то досадного подобия, которое, проигрывает историческому окружению.

Здание Национального центра искусства и культуры Жоржа Помпиду, архитекторы Ренцо Пиано и Ричард Роджерс, 2017. Бумага, пастель, 396 x 572 мм

И в этом смысле совершенно другой результат может быть достигнут, если здание в каждой своей детали абсолютно противоречит историческому окружению – от формы и постановки в пространстве до дверной ручки. Одним из таких примеров для меня является здание Национального центра искусства и культуры Жоржа Помпиду (архитекторы Ренцо Пиано и Ричард Роджерс, 1977) в Париже. Как известно, революционность проекта состояла в идее вынести на фасады здания все инженерные коммуникации – от эскалаторов и лифтов до вентиляционных и водопроводных труб. Таким образом архитекторы не только высвободили абсолютный максимум площадей для экспонирования искусства, но и демонстративно отказались от идеи музея как закрытого «ящика с драгоценностями». Здание, фасады которого представляют собой хитросплетение труб, коробов и конструкций разной толщины, вызывающе остро контрастирует с историческим окружением, громко заявляя о себе как о подчеркнуто современном и независимом – в точности как искусство, которое экспонируется в его стенах. 

Здание научного центра НЕМО в Амстердаме, 2017. Бумага, пастель, 229 x 306 мм

 

Совершенно иначе Ренцо Пиано трактовал здание научного центра НЕМО в Амстердаме, где многодельности исторической среды противопоставлена абсолютно монолитная форма. Рисовать подобные сюжеты чрезвычайно интересно, поскольку в подобном контрастном сочетании истории и современности, на мой взгляд, как в капле воды отражается вся полемичность современной архитектуры.

 

Здание MAXXI, Рим, архитектор Заха Хадид, 2017. Тонированная бумага, уголь, мелки, 316 x 479 мм

Хорошо известен такой сюжет и Вечному городу Риму – здание MAXXI Захи Хадид, которая трактовала его как нескольких сильно вытянутых в плане объемов, вольно переплетающихся между собой. При этом со стороны улицы Гвидо Рени, на которой расположен этот музей, был сохранен исторический фасад казармы: о пластичности и текучести современных бетонных форм можно догадаться, лишь войдя в ворота музея: над двором нависает эффектная консоль, в остекленном торце которой отражается «традиционный» Рим.

Доха. Центр города вдоль набережной, 2019. Черная бумага, пастель, 351 x 500 мм

Кампус архитектора Арата Исодзаки, Доха, 2019. Бумага, мел, 348 x 500 мм

И, конечно, с точки зрения современной архитектуры, которую можно познать с помощью рисунка, очень интересными являются мегаполисы Азии и Ближнего Востока, которые избрали для себя максимально далекий от идеалов европейского градостроительства путь развития. Эти города создают пространства принципиально другого масштаба, они воздействуют на человека мегаструктурами – будь то здания, транспортные развязки, масштабные конструкции неоновой рекламы. Это такие натюрморты из объектов, где свет, форма, плоскость играют огромную роль, и гораздо меньшую роль играют детали. Пытаясь прочувствовать и постичь эти пространства рукой, я одновременно ищу техники, которые наилучшим образом передают их характер и образ.

Небоскреб Бурж Доха, архитектор  Жан Нувель, 2019. Бумага, пастель, 500 x 328 мм

И если в европейских городах я работаю, в основном, карандашом или пастелью, то для парящих форм Нимейера идеальной оказалась тушь Sennelier Gris, обладающая насыщенным цветом, но с помощью воды умеющая становиться практически прозрачной и за счет этого идеально передающей ощущение невесомости модернистских построек, а для изображения рекламных билбордов и LED-экранов, ставших неотъемлемой частью имиджа улиц и высотных зданий многих мегаполисов, лучше всего подошли неоновые фломастеры. 

Вид улицы с рекламой во всю высоту зданий в районе Акихабара, Токио, 2015. Бумага, уголь, чернила, 419 x 296 мм 

Рисовать современную архитектуру – на мой взгляд, необходимо, ибо нет более удобного и верного способа понять то, как она устроена и по каким законам развивается. Да, исторические памятники и многочисленные фоновые постройки старинных городов приятнее для глаза и благодатнее для изображения в скетчбуке, однако изучения законов гармонии прошлого недостаточно без осознания законов гармонии настоящего. Как историческая и современная архитектура взаимодействуют между собой? Сегодня примеры этого взаимодействия лежат преимущественно в сфере острых контрастов. Должно ли быть только так? Честно говоря, я убежден, что такие союзы могут быть мягче и гармоничнее. «Мы живем в эпоху исчезнувшей изобразительности архитектуры. Ее изобразительность исчезла вместе с ордером, украшениями, рельефом, орнаментом. На вершине ее поселились вызов и радикальный диалог, тогда как окраины заняла безликая, прагматичная и лишенная красоты (забытое слово в отношении архитектуры!) форма минимализма». Это цитата из моей книги «30:70. Архитектура как баланс сил», написанной мной в соавторстве с искусствоведом Владимиром Седовым. Книга посвящена как раз тому, в каком направлении может развиваться современная нам архитектура, прежде всего фоновая, на которую приходится основной объем реализуемой сегодня жилой и офисной застройки, для того, чтобы служить визуально насыщенным и гармоничным окружением отдельных выдающихся зданий, воплощающих технические и художественные достижения своей эпохи. И выводы, к которым я прихожу в этом исследовании, мне, безусловно, помогло сделать рисование – исследуя город с помощью карандаша и бумаги, я не только лучше понимаю характер и законы формирования современной нам градостроительной среды, но и ищу для него те или иные решения, которые затем реализую как архитектор – как я надеюсь, на пути к гармоничному и комфортному городу, уже не нарисованному, а реальному».

В новую номинацию «АрхиГрафики 7»   «Рисуя современную архитектуру» – было заявлено около 100 работ. Рисунки, принятые на конкурс, демонстрируют впечатляющее разнообразие художественных техник и приемов. Среди изображенных объектов есть как широко известные архитектурные «хиты», так и здания, знакомые в основном их пользователям и узким специалистам. Оргкомитет конкурса «АрхиГрафика» решил не объявлять выбор финалистов (шорт-листы) до окончания периода самоизоляции в Москве, пока нет возможности приступить к подготовке второго - офлайн - тура соревнования. Как только она появится, прояснится и дальнейшее расписание конкурсных мероприятий. Сейчас приглашаем всех поддержать участников конкурса комментариями и голосами на сайте конкурса competitions.archplatforma.ru 

Материал подготовили: Анна Мартовицкая, Екатерина Шалина

 

 

 

 

Джакомо Кваренги. Архитектор императорского двора

22.05.19
13:54
Категории: | События | Выставки

До 18 августа в Музее В. А. Тропинина и московских художников его времени проходит выставка графики итальянского зодчего, прославившегося в России. Основу экспозиции составили 18 листов — планы, перспективы и ведуты — из собрания архитектора Сергея Чобана. Публикуем его кураторский манифест.

«В центре внимания данной экспозиции – российский период творчества Джакомо Кваренги и его взаимоотношения с венценосными заказчиками – императрицами Екатериной II и Марией Федоровной, императорами Павлом I и Александром I. Во многом именно благодаря их вере в талант архитектора, Кваренги, изначально приехавший в Россию по двухлетнему контракту, смог остаться здесь почти на сорок очень плодотворных лет и реализовать множество построек, которые во многом определили тот самый «строгий, стройный вид» столицы и «официальное лицо государства» в провинциальных городах.

Творчество Джакомо Кваренги являет собой пример совершенного владения стилем и виртуозной многогранности. Ярчайший представитель и верный последователь палладианства, Кваренги также был блестящим художником и увлеченным собирателем книг и произведений искусства. Но, пожалуй, его самым важным профессиональным качеством было умение чутко и с полной самоотдачей работать с заказчиками – прислушиваться к их пожеланиям, понимать их потребности и находить неоспоримые аргументы в пользу правильности предлагаемых решений. Архитектура Кваренги – это архитектура, рожденная в результате диалога и реализованная в соответствии с идеалами классицизма. Среди его построек – императорские дворцы, государственные службы, загородные имения и всевозможные учреждения, церкви и парковые павильоны, – и для каждого объекта зодчий смог создать неповторимую авторскую интерпретацию стиля. Это потрясающее разнообразие приемов убеждает в великом таланте зодчего ничуть не меньше, чем детальность проработки и тщательно продуманная функциональность его зданий. 

Все его постройки служат вдохновляющим примером и сегодня – причем не только в своем воплощенном виде, но и в тех акварелях и чертежах, которые Кваренги делал в процессе работы над каждым проектом. Именно проектная графика зодчего стала главной темой этой выставки, позволяя заглянуть в творческую лабораторию Кваренги и лучше понять широту и разнообразие его таланта. А соседство в пространстве экспозиции чертежей и ведут Кваренги с портретами венценосных особ из собрания музея В.А.Тропинина символически воссоздает тот просвещенный диалог с заказчиком, который в конечном итоге и определяет творческую судьбу любого зодчего. 

Эту выставку я хотел бы посвятить искусствоведу Константину Владимировичу Малиновскому, многолетнему увлеченному исследователю творчества великого зодчего, автору книги «Джакомо Кваренги. Жизнь и творчество в письмах и документах». Именно скрупулезная работа Константина Владимировича с первоисточниками – в частности, с многочисленными письмами архитектора, – позволила нам узнать, каким человеком был Кваренги, пролить свет на его взаимоотношения с заказчиками, восстановить все перипетии реализации построек и признать, что их качество по сей день остается непревзойденным».

Сергей Чобан

 
Александра Шейнер, бюро SPEECH, Ольга Журавлева, директор музея Тропинина, архитектор Сергей Чобан, куратор выставки, руководитель архитектурного бюро SPEECH
 
Дизайн экспозиции выставки также выполнен руководителем архитектурного бюро SPEECH совместно с Александрой Шейнер. Графика знаменитого итальянца чередуется с портретами августейших заказчиков зодчего – Екатерины II, Павла I, Александра I кисти Федора Рокотова и Степана Щукина. Выставка приурочена к выходу книги Константина Малиновского «Джакомо Кваренги. Жизнь и творчество в письмах и документах» (издательство «Левша», СПб).
 
Елизавета Фокина, директор музея-заповедника Царицыно

Георгий Анатольевич Трабский, директор издательства «Левша» 

Фото - Василий Буланов

В пространстве диалога

06.12.18
21:52
Категории: | Новости | Архитектура

До 16 февраля 2019 года в Музеях Ватикана, в Крыле Карла Великого, проходит выставка «Русский Путь. От Дионисия до Малевича». Дизайн экспозиции — архитекторы Сергей Чобан и Агния Стерлигова (Planet 9).

 

Выставка, представляющая русскую иконопись XV-XVII веков и живопись второй половины XIX - первой трети XX века (всего 54 экспоната), стала ответом на масштабный проект Roma Aeterna из Музеев Ватикана, который был открыт осенью 2016 года в Третьяковской галерее (авторами дизайна его экспозиции также выступали Сергей Чобан и Агния Стерлигова). 

Куратором и автором концепции экспозиции «Русский Путь. От Дионисия до Малевича» выступает известный искусствовед Аркадий Ипполитов, предложивший отказаться от хронологического принципа развески экспонатов и представить древнерусское искусство и живопись второй половины XIX — первой трети XX века в диалоге, выявляющем подчас неожиданные родственные связи между произведениями искусства, казалось бы, совершенно разных эпох. Соответствующим образом была поставлена задача и перед авторами дизайна экспозиции — создать пространство многочисленных визуальных связей и живого диалога. 

«Во многом архитектурно-планировочное решение экспозиции нам подсказало само пространство Крыла Карла — закрытой части знаменитой колоннады Бернини, обнимающей площадь Святого Петра, — рассказывает один из авторов проекта, архитектор Сергей Чобан. — Галерея обладает потрясающими пропорциями — чуть больше 6,5 метров в ширину и более 15 в высоту и представляет собой рампу, постепенно поднимающуюся от площади к Собору Святого Петра и территории Ватикана. Этот плавный подъем идеально отвечал самому названию выставки «Русский путь», и его динамику, бесспорно, хотелось сохранить. Кроме того, мы понимали, что расположение каких-либо витрин перпендикулярно стенам сделает невозможным восприятие Крыла Карла как единого, наполненного воздухом и светом пространства, и приняли решение расположить все стенды вдоль них». 

Своей конфигурацией и формой застройка выставки точно воспроизводит план самой галереи с характерными для неё полукруглыми нишами и экседрами. Ещё более неотъемлемой частью исходного пространства экспозицию делает выбранное архитекторами цветовое решение: практически все выставочные стенды выкрашены в светло-бежевый цвет, максимально приближенный к цвету стен самой галереи.

 

Лишь несколько наиболее знаковых экспонатов обозначены темно-бордовым оттенком — например, единственная в экспозиции скульптура — «Христос в темнице» из собрания Пермской художественной галереи, для которой авторы сделали исключение в виде расположенной в центре зала панорамной витрины на тёмном подиуме, а также два первых полукруглых стенда, формирующих вход на выставку и содержащих всю необходимую текстовую информацию о ней.

Важно и то, что насыщенный бордовый цвет не только задаёт более торжественное оформление входа, но и отсылает к экспозиции-предшественнице Roma Aeterna в Третьяковке была вся выполнена именно в таком цвете, а план ее экспозиции образно воспроизводил план площади Святого Петра. На этот раз авторы проекта вновь взяли за основу идеальные пропорции и плавные изгибы барочной архитектуры, создав пространство одновременно торжественное и лаконичное, ставшее органичным продолжением постройки Бернини и сформировавшее идеальные возможности для экспонирования поистине уникальных раритетов русской живописи. 

 

 

 

 

 

 

Выставка «Русский путь. От Дионисия до Малевича» будет открыта для посетителей до  16 февраля 2019 года. По взаимной договоренности Музеев Ватикана и Государственной Третьяковской галереи, вход на нее свободный. 

Фото: Василий Буланов

 

Архитектура в рисунках: рацио vs эмоции

08.05.18
10:01
Категории: | Новости | Архитектура

16-20 мая в пространстве АРХ Москвы 2018 и 6-й Московской Биеннале Архитектуры при поддержке главного архитектора Москвы Сергея Кузнецова пройдет выставка Международного конкурса «АрхиГрафика 5».

Номинация: Архитектурная фантазия. Олег Манов (Санкт-Петербург).  Культурно-образовательный центр «Две капли». Бумага, Карандаш 2Н, линер 0.1, маркер Сopic sketch. 2017

Экспозиция представит 30 работ архитекторов и художников из числа финалистов Пятого Международного конкурса архитектурного рисунка, организованного Группой сайтов 360.ru при содействии Фонда Сергея Чобана – Музей архитектурного рисунка, главного архитектора Москвы Сергея Кузнецова, Союза архитекторов России, Союза московских архитекторов и LAUFEN. Предмет смотра на протяжении первой «пятилетки» оставался константой – ручная графика на нецифровых носителях: изображения существующей архитектуры, фантазии, рисунки к проектам. Специальная номинация, посвященная Москве, куратором которой выступает Сергей Кузнецов, в этот раз предложила участникам выразить свое «Чувство города».

Номинация: Москва. Чувство города.  Анастасия Нестерова. Московское лето. Алексеевская слобода. Тонированная бумага, пастель, сангина, уголь. 2017

Для выставки были отобраны произведения из всех четырех конкурсных категорий, высоко оцененные Международным жюри во главе с архитектором Сергеем Чобаном. Однако диапазон выбора судей, основанного на рассмотрении онлайн-материалов, оказался довольно широким, и в финал по всем номинациям вышло около 100 работ (всего на конкурс было принято 478 заявок из 15 стран мира). В эту камерную экспозицию в первую очередь были включены яркие графические высказывания, иллюстрирующие профессиональные поиски, исследования, мечты и «идеи-фикс», размышления о проблемах и формах архитектуры, «квинтэссенции» авторского стиля и методологии.

Номинация: Рисунок к проекту. Рафаэль Джюнатей. Паноптическая архитектура. Бумага, тушь, карандаш. 2017

Первоначально выставку планировалось назвать «Рисунок-манифест». Однако наряду с концептуальной графикой – и, что характерно, превосходя ее по количеству – на конкурс неизменно поступают архитектурные пейзажи и «портреты» зданий, не обремененные никакими сверхзадачами, кроме чисто художественных. Выразительные примеры такого «созерцательного» рисования, вошедшие в экспозицию, не в меньшей степени, чем графика, несущая профессиональную смысловую нагрузку, дают повод задуматься о бинарной природе Архитектуры, ее бытовании на стыке точных наук и искусства.

Номинация: Рисунок с натуры. Алиса Юфа. Из серии «Пешеходные экскурсии, Санкт-Петербург». Бумага, пастель, соус, тушь. 2017

Рукотворный рисунок в разнообразии его техник и приемов предстает самым чутким медиа, улавливающим и передающим эту двойственность. Ключевым для нашего выставочного проекта в итоге стал вопрос: что превалирует в творческом восприятии реальных сооружений и визуализациях структур, еще умозрительных – рацио или эмоции? Каждый экспонат дает свой, как правило, неоднозначный ответ, который мы предлагаем увидеть, осмыслить и прочувствовать. В пространстве экспозиции вы можете проголосовать за лучшую работу – ее автор получит специальный приз от организаторов. Открытое голосование за «Приз зрительских симпатий» действует до 31 мая и на сайте конкурса http://competitions.archplatforma.ru/

Имена победителей и призеров станут известны на Церемонии награждения, которая пройдет 8 июня.

Участники выставки: Владимир Баласанян, Роман Баянов, Анна Будникова, Альвина Денисенко, Сергей Демков, Хасан Сенк Дерели, Рафаэль Джюнатей, Анастасия Игнатенко, Алексей Ильин, Александр Кобяк, Вера Колгашкина, Александр Крылов, Николай Зайков, Иоан Зеленин, Алексей Левчук, Олег Манов, Евгений Молодин, Анастасия Нестерова, Александр Новоселов, Кристина Рыкова, Артур Скижали-Вейс, Влад Савинкин, Евгений Фомин, Георгий Фролов, Андрей Царев, Дарья Чеботова, Алиса Юфа.

Куратор проекта: Екатерина Шалина

16-20 мая, ЦДХ, 2-й этаж, зал 15

Вход на выставку по билетам на АРХМоскву. Регистрация и бесплатное приглашение для специалистов на сайте http://www.archmoscow.ru

Открытый Международный конкурс архитектурного рисунка «АрхиГрафика» проводится архитектурным сайтом Archplatforma.ru (Группа интернет-ресурсов 360.ru) при содействии Фонда архитектурного рисунка Сергея Чобана главного архитектора Москвы Сергея Кузнецов, Cоюза архитекторов России и Союза московских архитекторов. Цель конкурса – представить разные виды архитектурного рисунка от руки, привлечь внимание широкой аудитории к этому виду искусства и дать возможность архитекторам и художникам архитектуры, продемонстрировать свое мастерство. Пятый смотр проходит в интернет-формате. Финалисты, призеры и победители определяются по оценкам жюри, основанным на рассмотрении онлайн-материалов. Победители «АрхиГрафики 5» получат дипломы, денежные призы от организаторов и специальные призы от Фонда Сергея Чобана – Музей архитектурного рисунка и главного архитектора Москвы Сергея Кузнецова, куратора спецноминации «Москва: Чувство города» и партнеров конкурса.

Жюри «АрхиГрафики 5»

Cергей Чобан – архитектор, председатель Жюри конкурса «АрхиГрафика», основатель Фонда архитектурного рисунка Tchoban Foundation Museum for Architectural Drawing, руководящий партнер бюро SPEECH (Россия, Москва) и nps tchoban voss (Германия, Берлин)

Cергей Кузнецов – Куратор номинации «Москва: Чувство города» – главный архитектор Москвы

Михаил Филиппов – архитектор, основатель и руководитель «Мастерской Михаила Филиппова» (Россия, Москва)

Максим Атаянц – архитектор, основатель и руководитель «Мастерской Максима Атаянца» (Россия, Санкт-Петербург)

Сергей Эстрин – архитектор, основатель и владелец «Архитектурной мастерской Сергея Эстрина» (Россия, Москва)

Рубен Аракелян – архитектор, сооснователь и руководитель бюро WALL (Россия, Москва)

Андрей Чернихов – архитектор, основатель «Студии Архитектуры и Дизайна Андрея Чернихова»

Томас Шаллер – архитектор, художник. Почетный президент Американского общества архитектурных иллюстраторов (ASAI) Миккел Фрост – основатель и управляющий партнер бюро CEBRA (Дания)

Чино Дзукки – архитектор, основатель и руководитель бюро СZA Cino Zucchi Architetti (Италия)

Интернет-площадка конкурса: competitions.archplatforma.ru

Организатор конкурса: ARCHPLATFORMA.ru (Группа сайтов 360.ru)

Стратегические партнеры конкурса: Фонд Сергея Чобана – Музей архитектурного рисунка, Главный архитектор Москвы Сергей Кузнецов, Союз архитекторов России, Союз московских архитекторов.

Партнер номинации «Рисунок к проекту»: LAUFEN (компания Roca Group)

Куратор проекта «АрхиГрафика»: Екатерина Шалина

Контакт Оргкомитета: archigraphic@archplatforma.ru

Информационные партнеры: ARСHI.RU; АРХСОВЕТ Москвы, Architime.ru, arch: speech, ПРОЕКТ БAЛТИЯ

 

ARCHITECTURE IN DRAWING: RATIO VS EMOTIONS

Exhibition of the "ArchiGraphicArts 5" International Contest

Within the framework of ARCH Moscow 2018 and the 6th Moscow Biennale of Architecture

16-20 May, CHA, 2nd floor, Hall 15

Organizers: Archplatforma.ru (Group of sites 360.ru)

On May 16-20, an exhibition of the International contest "ArchiGraphic Arts5" will take place in the space of the ARCH Moscow  2018 and the 6th Moscow Biennale of Architecture under the support of the Moscow Chief Architect Sergey Kuznetsov.

The exposition will present 30 works of architects and artists from among the finalists of the Fifth International Competition of Architectural Drawing organized by the 360.ru Group of Webs with the assistance of the Sergei Tchoban Foundation - the Museum of Architectural Drawing, the Chief Architect of Moscow Sergey Kuznetsov, the Union of Architects of Russia, the Union of Moscow Architects and LAUFEN. The subject of the review during the first "Five-Year Plan" remained a constant - manual graphics on non-digital media: images of existing architecture, fantasies, drawings to projects. A special nomination for Moscow, curated by Sergey Kuznetsov, this time invited participants to express their "Sense of the City".

For the exhibition were selected drawings from all four contest categories, highly appreciated by the International Jury headed by architect Sergei Tchoban. However, the range of choice of judges based on the examination of online materials turned out to be quite broad, and we find out in Final about 100 works  in all nominations (478 applications from 15 countries were accepted for the competition) . In this chamber exposition first of all graphic statements illustrating professional searches, researches, dreams and "ideas-fixes", reflections on problems and forms of architecture, "quintessence" of author's style and methodology were included. Originally, the exhibition was planned to be called "Drawing -Manifesto."

However, along with the conceptual graphics - and, what is characteristic, surpassing it in quantity - the Competition invariably receives architectural landscapes and "portraits" of buildings that are not burdened with any super-tasks, except purely artistic ones. Expressive examples of such "contemplative" drawing, included in the exposition, not less than graphics, carrying a professional semantic load, give rise to reflect on the binary nature of Architecture, its existence at the intersection of exact sciences and art. Manual drawing in the variety of its techniques and approaches  appears to be the most sensitive media that captures and transmits this duality. The key question for our exhibition project was, finally: what prevails in the creative perception of real structures and visualizations of structures, still living in mind - ration or emotion?

Each piece of art presented here gives its, as a rule, an ambiguous answer, which we propose to see, comprehend and feel. In the exhibition space, you can vote for the best work - its author will receive a special prize from the organizers. Open voting for the "Audience Choice Award" is valid until May 31 and on the site of the contest http://competitions.archplatforma.ru/.

The names of winners and prize-winners will be known at the Award Ceremony, which will be held on June 8.

Exhibition Participants: Vladimir Balasanyan, Roman Bayanov, Anna Budnikova, Alvina Denisenko, Sergey Demkov, Hasan Cenk Dereli, Raphael Juanatay, Anastasia Ignatenko, Alexey Ilyin, Alexander Kobyak, Vera Kolgashkina, Alexander Krylov, Nikolai Zaikov, Ioan Zelenin, Alexey Levchuk, Oleg Manov, Evgeniy Molodin, Anastasia Nesterova, Alexander Novoselov, Kristina Rykova, Artur Skizhali-Veys, Vlad Savinkin, Evgeny Fomin, Georgy Frolov, Andrey Tsarev, Daria Chebotova, Alisa Yufa.

Project Curator: Ekaterina Shalina

 

Cветлый путь. 19.17

13.12.17
13:40
Категории: | Новости | Архитектура

По приглашению режиссера Александра Молочникова архитектор Сергей Чобан впервые выступил в роли художника театра. Декорации, которые он создал вместе с Агнией Стерлиговой, стали «несущим каркасом» для многоплановой, фантасмагорической постановки на сцене МХТ им. Чехова.

Спектакль «Светлый путь. 19.17» молодого режиссера Александра Молочникова приурочен к столетию Октябрьской революции и осмысляет это событие с позиции нынешних двадцатилетних (как говорится в официальном анонсе: «непоротого поколения» ) — смело, без предубеждений, с пониманием того, что ко многим фактам вековой давности уже нельзя пробиться сквозь мифологию, которой они обросли, но и того, что именно сейчас эти факты особенно нуждаются в рефлексии и переоценке. Зрелищная постановка в двух частях охватывает двадцать пост-революционных лет, соединяет разные медиа, включая хореографию, кино и анимацию, и задействует около сотни актеров. На два с половиной часа зритель погружается в своеобразный «театр абсурда», потому что реальная история переплетена с аллегорическим вымыслом и явлена как сон.

Сон снится педагогу балетного класса Вере (Виктория Исакова). В этом сне ее возлюбленный разнорабочий Макар (Артем Быстров) встречает Ленина (Игорь Верник), Крупскую (Инга Оболдина) и Троцкого (Артем Соколов), они заменяют его сердце на железный «пламенный мотор» и наивный, добродушный Макар превращается в машину революции. Уверовав, что в новом мире, который ему нужно построить, разрушив старый, сметану будут делать прямо из облаков, он берет Зимний, возвращает солдат с первой мировой войны, попутно избавляясь от белых, отправляется раскулачивать крестьян. Вере тем временем вожди поручают построить счастливую коммуну с работницами, прибывшими из сел, в особняке, принадлежащем бывшей звезде императорской оперы.

Дворец баса его величества (Алексей Вертков), естественно, превращается в коммуналку. Согласно «Декрету о свободной любви», придуманному еще одной машиной революции Александрой (Паулина Андреева, прообраз –  Коллонтай), работницы выстраиваются за плотскими утехами в очередь к басу, от чего он, мягко говоря, не в восторге. В общем, сначала все кажется веселым бредом, но очень быстро сквозь смешное проступает страшное. Мечты о прекрасном будущем и сметане из облаков тонут в кровавом терроре, Ленин незаметно оборачивается Сталиным (убедительно играющий обоих Игорь Верник при этой метаморфозе внешне никак не меняется). И из кошмара только один выход — проснуться, что Вера и делает, только зритель уже не может вздохнуть с облегчением, потому что знает, что это был совсем не сон.

В такой масштабной постановке, предполагающей частую смену мизансцен, общее художественное решение — декорации, свет (художник по свету  — Александр Сиваев) , костюмы (художник по костюмам — Татьяна Долматовская) — стало связующей канвой, на которой держится многообразное представление. Различные места действия обозначаются с помощью машинерии (сцена МХТ технически прекрасно оснащена), но главным образом — посредством экрана-задника, на который проецируются то интерьеры дворцов, то супрематические композиции, то фрагменты из идеалистических советских фильмов, переплетенные с происходящим на сцене. Однако главные элементы оформления статичны, и в прямом смысле слова «обрамляют» все действие. Реальное пространство крепко связано с виртуальным посредством серии арок. По эскизам Сергея Чобана и Агнии Стерлиговой на авансцене выстроены архитектурные «кулисы»  — трехэтажная арочная структура, секции которой или полностью закрыты, или заполняются актерами.

Своеобразным перспективным порталом над планшетом сцены эту конструкцию продолжают оловянные дуги, «осеняющие» действо разноцветным свечением и уводящие взгляд в глубину — к экрану. Когда на нем возникает изображение идеального сооружения революционной архитектуры Булле — свода, уходящего в бесконечность, — все сценическое пространство превращается в длинный тоннель — метафору «Светлого пути». Одновременно это и образ гигантского, утопического построения, подавившего своих строителей, и величественного дворца, в реальном объеме структуры на авансцене нарезанного на комнатки-клетушки. Сценография легко поддерживает гротескный язык пьесы — например, в некоторых сценах в виртуальном дворце «поселяется» знаменитый ленинский шалаш. 

«Превращение крупного в мелкое, совершенного в искаженное, низведение величественного до фарса — это основная идея сценографии. Это и мое собственное важное воспоминание,  —  рассказывает Сергей Чобан. — Я помню, как заходил в Комбинат живописно-оформительского искусства, который находился в Ленинграде в здании церкви, и постоянно удивлялся, как можно было втиснуть организацию, связанную с созданием художественных произведений, в тело сакрального сооружения. Это было сделано довольно варварским способом, и было очевидным актом вандализма. В декорациях к спектаклю мне хотелось передать эту щемящую метаморфозу, разрыв единого большого организма на малые части, которые, к сожалению, уже нельзя собрать в прежнее целое».

На сцене минимум предметов и минимум цветов (основные – красный, белый, черный и серый), главное внимание направлено на актеров, на их игру и потрясающую пластику. Но при этом константный элемент оформления – блестящие арки из фактурного пузырчатого металла – тонко и многозначно взаимодействует с разными сценами спектакля, отсылая и к чему-то совсем простому и приземленному, как солдатская оловянная миска, и к чему-то такому возвышенному, как сияющие храмовые своды. А когда на экране в глубине возникает лицо-лик Ленина-Сталина, дуги символично венчают его, как сакральный образ, подсвечивая при этом тревожным багровым тоном.

На счету Сергея Чобана не только десятки крупных архитектурных комплексов и зданий в Германии и России, но и множество проектов выставочного дизайна. Однако в качестве художника театра это его дебют. С Александром Молочниковым архитектора познакомил художник и продюсер Павел Каплевич, когда идея «Светлого пути» у режиссера только вызревала. В его практике это продолжение серии постановок по мотивам истории России (до этого были «19.14» и «Бунтари»). После разговоров о планирующемся спектакле он пригласил Сергея Чобана придумать сценографию, над которой тот, как и над многими другими художественными инициативами, работал вместе с архитектором Агнией Стериговой. 

К каждой мизансцене было нарисовано очень много довольно подробных эскизов. По словам Сергея Чобана, он их сделал больше, чем к какому-либо из архитектурных и выставочных проектов. И если «сценография» экспозиции диктует посетителю сценарий действия-движения, то в театре все элементы, напротив, действию подчинены, должны быть его органичной частью и подчеркивать игру актеров. Театральный художник на каждом шагу взаимодействует с режиссером.

«Только режиссер чувствует, с чем ему нужно работать на сцене. Художник может предложить ему какие-то инструменты, режиссер их пробует, и если понимает, что они излишни, избыточны, то может от них и отказаться.  Мы сделали очень много вариантов, и огромное количество из них не воплотилось»,  – рассказывает Сергей Чобан. В то же время этот спектакль отличает абсолютная синергия сценографии и работы со светом и костюмами. 

Отметим, что в этом проекте получили развитие некоторые темы, уже проявлявшиеся в архитектурной графике Сергея Чобана. Например, у него была фантазия – изображение головы вождя в разрезе, в которой происходят разные вещи. В идеях к спектаклю революция представала действом, рожденным в подобной голове с характерным узнаваемым профилем. В декорациях в итоге этот образ не воплотился, но сам рисунок, как созвучный спектаклю, иллюстрирует его программку.

«Мне понравился результат, конечно. Но меня невероятно поразило, насколько это тяжелая работа – и режиссера, и актеров, и хореографа, и композитора, и вообще всей команды, и с каким количеством вариаций и отказов от каких-то решений она связана», – оценивает архитектор свой первый опыт сотрудничества с театром. От лица зрителя можем добавить, что результат этой всеобщей работы смотрится на одном дыхании. Мир, созданный на грани яви и сна, вовлекает в себя целиком и полностью, провоцируя гамму противоречивых  реакций – от сопереживания до отторжения, от смеха до горечи. События столетней давности перестают быть далекой исторической датой, спектакль заставляет прочувствовать стоящую за ними неизмеримую человеческую трагедию, а карикатурность персонажей, приемы фарса и мистерии-буффонады ее только оттеняют. «Светлый путь», безусловно, стоит того, чтобы увидеть его собственными глазами.

Фото: Василий Буланов

 

Гармония контраста

19.01.17
19:14
Категории: | События | Лекции

Мастер-класс Сергея Чобана откроет программу встреч с руководителями ведущих российских бюро — «Архитектурный год». 25 января в ЦСИ «Винзавод». 

Сергей Чобан. Фантазия по мотивам архитектуры Санкт-Петербурга

Первое мероприятие проекта «Архитектурный год» будет посвящено творчеству Сергея Чобана, руководителя бюро SPEECH, автора широкого ряда значимых архитектурных проектов. Его встреча с профессиональной аудиторией состоится на территории центра современного искусства – «Винзавод» (Винтажный зал) и будет посвящена теме «Гармония контраста. В поисках масштаба и детали». Встреча пройдет в формате public talk и позволит приблизиться к миру архитектуры, погрузиться в историю создания проектов и узнать больше о творчестве признанного мэтра.

Проект «Архитектурный год» реализуется при участии 12 самых ярких представителей мира архитектуры: Сергей Чобан (январь), Владимир Плоткин (февраль), Михаил Хазанов (март), Александр Асадов (апрель), Евгений Герасимов (май), Юлий Борисов (июнь), Павел Андреев (июль), Антон Надточий (август), Сергей Скуратов (сентябрь), Борис Левянт (октябрь), Андрей Чернихов (ноябрь), Никита Явейн (декабрь).

Дата: 25 января 2017г.

Начало в 18:00. 

Место проведения: Центр современного искусства ВИНЗАВОД, Винтажный зал (подъезд 15), г. Москва, 4-й Сыромятнический переулок, д.1, стр. 6.

Для участия в мероприятии необходимо пройти процедуру регистрации на сайте Агентства www.archigra.ru в разделе «Мероприятия/Анонсы». 

Организаторы: 

AGC и АНО "Национальное агентство по архитектуре и градостроительству"

 

Недоступно для взрослых. Настоящий детский самолет

07.11.16
10:00
Категории: | События | Выставки

На ВДНХ, в самолете Як-42, проходит четвертая выставка в рамках конкурсного проекта «ВЗЛЕТ». О ней рассказывают куратор выставки Сергей Чобан и автор инсталляции Анна Козлова.

Сергей Энверович, прокомментируйте, пожалуйста, новый проект программы «ВЗЛЕТ».

Организаторы проекта попросили меня быть куратором направления «Архитектура». При выборе кандидата, у Ани Козловой, очень талантливого молодого архитектора, оказался самый лучший проект, и я был рад рекомендовать её экспертному совету в качестве будущего автора. Не помню, сколько было в сумме кандидатов, где-то около десяти, но в коротком листе осталось трое: два молодых человека и Анна Козлова. Аня много работала над вариантами. В варианте, который получился, интересно и совершенно по-новому осмысливается пространство самолёта, превращённого в гигантскую арку с серебряным полом. Существующие ограничения – в частности, небольшую высоту внутренних помещений, – Аня использовала очень талантливо, предназначив их только для детей. Я помогал в реализации своими советами, но считаю, что успех является полностью Аниной заслугой. Она сделала из самолёта настоящий архитектурный проект, пространство для детей, где они чувствуют себя и комфортно, и интересно.

 

 Анна, это первый самостоятельный проект?

Я окончила МАРХИ, затем магистратуру в архитектурной школе МАРШ, работала в бюро SPEEH, сейчас являюсь ведущим архитектором в команде WALL. Сергей Энверович был моим дипломным руководителем. Я занимаюсь архитектурой почти 10 лет, но проект «Недоступно для взрослых. Настоящий детский самолёт» стал первым, сделанным самостоятельно от начала до конца. Он уникален для меня авторской идентичностью.

Как пришли к окончательному решению?

Было много разных интервенций. Последняя идея родилась, буквально, за 10 секунд. Решила отнестись к пространству как архитектор, пришла в самолёт в воскресный день, когда здесь бывает самое большое количество посетителей, села на бортик самолёта и начала наблюдать, как всё работает. Я поняла, что небольшая высота внутренних помещений самолёта не слишком комфортна для проведения выставок для взрослых, что только по центру может нормально пройти взрослый человек. Поэтому и появилась концепция «Настоящего детского самолёта». Восемьдесят процентов посетителей самолёта – дети, и всё им очень интересно: и кабина пилота, и отсутствие кресел, и то, как они падают с бортиков… Чтобы падения были безопасными, я сделала мягкий пол и изменила его уровень. Подняв пол, я не только обезопасила пространство, но и усилила эффект детского масштаба.

 Имеет ли образ самолета какое-то особое значение для вас?

У меня есть целая архитектурная фантазия на этот счёт. Существует такая антиутопия в архитектуре под названием гиперурбанизация. Она предполагает появление зон неконтролируемого развития городских поселений, перегрузку естественного ландшафта. Когда на суше не останется пустого места, когда гигантские мегополисы разрастутся и соединятся, и вся Земля превратится в огромный дом, роль улиц будут играть небольшие проходы внутри этой толщи, то есть, какие-то арки, какие-то коридоры…. Для меня самолёт представляет некий фантом такого города из будущего. Мы видим арочное пространство, очень длинное, узкое и низкое, напряженное по всем трём осям. Грубо говоря, это – макет некоей огромной арки, а дети – «макеты» взрослых. Проект можно воспринимать как улицу, можно воспринимать как арку, он из разряда ассоциативной фантазии. В центре самолёта поместился зеркальный шар, который является и частью образовательной программы, и элементом масштаба, и макетом земного шара, и квестом, одновременно. В процессе игры дети могут его трогать и катать. Дети также могут открывать части пола и видеть внизу фотографии: лес с самолёта, горы с самолёта, реки с самолёта. Экспозиция отвечает нуждам детей. Здесь разрешено делать всё, чего нельзя делать дома: рисовать на стенах, катать этот самый шар, валяться по полу, прыгать, падать, то есть всё, что угодно… Так как выставка нацелена на детей в возрасте от 5 до 10 лет, думаю, это то, что надо!

Выставка «Недоступно для взрослых. Настоящий детский самолёт» в рамках проекта «ВЗЛЕТ» открыта до 20.11.2016

Материал подготовила Людмила Новикова

Фото предоставлены пресс-службой

Сохранить

Сохранить

Сохранить

Сохранить

Сохранить

Сохранить

Сохранить

Интерактивный холст-цилиндр

12.04.16
18:23
Категории: | События | Выставки

Для ежегодной выставки итальянского журнала Interni российские архитекторы Cергей Кузнецов, Сергей Чобан и Агния Стерлигова создали инсталляцию, посвященную архитектурному рисунку. 11-23 апреля, Милан



Выставка открылась 11 апреля в пространстве Миланского государственного университета, занимающего старинное палаццо в центре города. Это традиционная площадка, на которой авторитетный итальянский журнал из года в год к Fuori Salone (вневыставочной программе мероприятий, параллельной  iSaloni – большому «Мебельному салону» и его «спутникам») разворачивает тематические экспозиции. Известные архитекторы и дизайнеры в сотрудничестве с производителями материалов, оборудования и предметов интерьера создают для них зрелищные, концептуальные инсталляции. Сергей Кузнецов и Сергей Чобан участвуют в выставке Interni в пятый раз. Вместе с Агнией Стерлиговой (Planeta,9) они разработали объект Towers, реализованный – VELKO GROUP.

Это цилиндр 12-метровой высоты, установленный посреди университетского двора. На его поверхности, состоящей из 336 вплотную подогнанных экранов, проступают выполненные авторами инсталляции рисунки башен, колоколен и других вертикальных сооружений. Цилиндрическая основа, таким образом, воспринимается как заготовка, которая потенциально может обрести разную форму. По двум сторонам двора установлены планшеты, на которых что-нибудь, необязательно архитектурное, могут нарисовать и посетители выставки, их рисунки тоже отобразятся на полотне медиафасада с постоянно меняющимся, для контраста ярким, цветом фона. В этом году Interni назвал свою выставку Open Borders («Открытые границы»). Рисование, по-мнению авторов Towers, является тем идеальным средством профессионального раскрепощения, творчества и диалога, что способно открыть любые границы.

Фото: Василий Буланов

Подробнее о выставке: http://www.interni-events.com/

 

 

 

SPEECH о ЗИЛе

23.03.16
15:46
Категории: | События | Лекции

2 апреля, в рамках нового лекционного цикла «ЗИЛАРТ. Архитектура для жизни», архитектор Сергей Чобан представит новый проект бюро SPEECH и расскажет об основных принципах формирования современных городских ансамблей, а его коллега Дмитрий Гуреев проведет экскурсию по большому макету района, строящегося на месте крупнейшей московской промзоны.

В ближайшие семь лет место заброшенной промзоны займет жилой район ЗИЛАРТ, реализованный в концепции «Город для человека». Здесь на 65 га возведут дома для 25 000 жителей, а также Музейный центр «Эрмитаж–Москва», драматический и кукольный театры, детские сады и школы, будет разбит ландшафтный парк площадью 14 га, оборудована набережная, проложен пешеходный бульвар длиной 1,2 км и новые улицы, которые получат имена русских авангардистов.

К строительству привлечены российские архитекторы Юрий Григорян, Сергей Чобан, Сергей Скуратов, Олег Харченко, Евгений Герасимов, Александр Бродский, Александр Цимайло, Николай Ляшенко, Илья Машков, а также мировые знаменитости: Хани Рашид (Asymptote Architecture), Джерри Ван Эйк (!melk), Виллем Ян Нетелингс и Михил Ридейк (Neutelings Riedijk Architecten).

Цель лекционного цикла «ЗИЛАРТ. Архитектура для жизни» – познакомить москвичей с тем, как будет выглядеть после реконструкции территория бывшего завода ЗИЛ. О том, какие здания и пространства там появятся, а также о концепциях и новейших тенденциях в современной архитектуре и урбанистике, будут рассказывать сами авторы, архитекторы, которые проектируют объекты в районе ЗИЛАРТ.

Первую лекцию прочтет известный архитектор, руководящий партнер бюро SPEECH Cергей Чобан. Залог гармоничного развития любого участка – будь то исторический центр города или территория бывшего завода – он видит в создании детально продуманных снаружи и изнутри объектов, которые выглядят современно, но и вневременно. Одним из примеров реализации такого подхода является жилой дом, который бюро SPEECH проектирует на территории ЗИЛАРТа.

После лекции состоится экскурсия по макету будущего квартала площадью более 110 кв.метров, выполненному в масштабе 1:100. В роли экскурсовода выступит главный архитектор проектов бюро SPEECH Дмитрий Гуреев.
Лекция пройдет в ЗИЛАРТ ХОЛЛ, по адресу: ул. Автозаводская, 22.                                          

Начало в 14:00. Для посетителей будет организован трансфер от метро Автозаводская до места проведения мероприятия и обратно.
Вход свободный, по предварительной регистрации на Time Pad: https://zilart.timepad.ru/event/303932/


Контакты: info@zilart.ru

 

 

«Рисунок архитектуры»

03.12.15
20:47
Категории: | События | Лекции

9 декабря в ГМИИ им. А.С.Пушкина состоится лекция архитектора Сергея Чобана.

Сквозь рисунок к проблемам современной архитектуры — путь, по которому известный российско-немецкий архитектор, председатель Жюри конкурса «АрхиГрафика 2015-2016» Сергей Чобан, проведет слушателей своей лекции в ГМИИ. Многолетнее увлечение рисованием он намерен использовать как повод поднять более масштабную тему развития как исторических, так и относительно молодых городов.

При каких условиях сосуществование сложившейся среды и современных зданий может быть не вынужденно напряженным, а органичным и тем самым способствующим сбалансированному развитию мегаполисов? Так ли нужны историческому городу иконические объекты, и если да, то в каких количествах? И способны ли создающие их архитекторы выступать в роли не авторов штучных построек, но режиссеров спектакля под названием «городская среда»? Такие вопросы будут затронуты во время лекции.

В рамках выступления также будет представлена книга архитектурных рисунков «Sergei Tchoban. Architecture Drawings». Вышедшая в итальянском издательстве Skira в 2015 году и представляет более 150 графических работ архитектора, выполненных в период с 1994 по 2014 годы.

Вход на лекцию бесплатный, необходима предварительная регистрация на портале archspeech.com.

Начало мероприятия в 18.30.

 

Два слоя одного дома

12.08.15
13:00

Под Потсдамом, в 100 километрах от Берлина, бюро nps tchoban voss построило частную виллу. В этом проекте архитекторы обратились к сквозной в их творчестве теме материальной многослойности.

Фото ©Martin Tervoort

Под строительство дома заказчик приобрел участок в одном из загородных поселков, которых так много разбросано между Берлином и Потсдамом. На местечко под названием Вильгельмсхорст выбор пал в том числе и из-за его близости к лесу: все блага цивилизации и комфорта здесь находятся в завидной гармонии с природой. От опушки с бурной растительностью участок отделен лишь условной оградой, и во многом именно это соседство предопределило как расположение и ориентацию дома, так и его архитектурно-планировочное решение. В частности, он максимально отодвинут от дороги вглубь участка и раскрыт на лес.

Фото ©Martin Tervoort

«Заказчик изначально ставил перед нами задачу спроектировать дом не слишком сложный в исполнении, но ясный и запоминающийся по форме, – вспоминает архитектор Сергей Чобан. – И мы предложили вариант, в котором определяющими стали именно скульптурная геометричность формы». Традиционное для почти любого частного дома распределение общественной и приватной зон между разными этажами натолкнуло авторов проекта на идею четко артикулировать два уровня в структуре одного объема. За основу плана взят практичный прямоугольник, и каждый этаж трактован как самостоятельный параллелепипед. Эта обособленность подчеркнута, в первую очередь, с помощью активного «тектонического сдвига»: верхний этаж смещен относительно нижнего не просто в сторону, но и назад, как будто архитекторы пытались максимально выдвинуть приватный блок спален в лес. Благодаря такому решению у дома возникает внушительная 6,5-метровая консоль, а на кровле первого уровня высвобождается обширнейшая терраса (площадью около 90 кв.м).

Фото ©Martin Tervoort

Абсолютно разными блоки получились и по материалам. Нижний уровень облицован шероховатым кирпичом, темно-терракотовая палитра которого оживлена лишь редкими вкраплениями светло-бежевых оттенков, тогда как верхний обшит панелями из матового металла. Сергей Чобан не впервые обращается к подобному сочетанию. Вспомнить тот же отель NHow в Восточной гавани Берлина, где над довольно внушительным объемом из кирпича словно парит консоль из стекла и полированной стали. Сам архитектор, кстати, всегда приводит его в пример, когда рассуждает о многослойной структуре современных городов, в которых «вечное вчера» (кирпич или камень) в идеале должно образовывать гармоничный симбиоз с технологиями и материалами настоящего и будущего. Надо сказать, что и в переводе на камерный масштаб частного дома эта тема звучит очень убедительно: достаточно брутальное кирпичное основание заставляет вспомнить крылатое «мой дом – моя крепость», тогда как визуально более легкий верх цвета металлик будит созвучные нашему времени  технократические ассоциации (а когда стоишь под консолью, на языке и вовсе вертится пресловутое «под крылом самолета»).

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Внутренняя планировка виллы традиционна для своей типологии. На первом этаже расположились столовая с кухней, гостиная с камином, санузел, гардеробная и кабинет, на верхнем – три спальни. Единый для обоих этажей блок имеет площадь всего 70 квадратных метров, и его центральным элементом предсказуемо становится лестница. По контрасту с лаконизмом внешнего архитектурного облика и минималистскими интерьерами, лестницу авторы проекта решили как скульптуру с очень выразительной и насыщенной пластикой. Ее винтовая форма подчеркнута с помощью закрученных в тугую спираль ограждений, выполненных из цельных листов металла, а яркий белый цвет делает лестницу акцентом, который не только предопределяет интерьеры общественных зон, но и хорошо заметен снаружи, при подходе к дому, привнося дополнительную интригу в его архитектурный облик. 

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Фото ©Martin Tervoort

Остановка «Звизжи»

07.08.15
17:19

«Архстоянию», летнему фестивалю лэнд-арта в Калужской области, исполнилось десять лет. Все это время он активно развивался, охватывал новые территории и смыслы. В юбилейный выпуск дошел до деревни Звизжи, где 31 июля – 2 августа представил публике 4 произведения «полезного искусства».

 

Водонапорная башня в Звизжах

В 2006 году на первое «Архстояние» по приглашению художника Николая Полисского, автора идеи фестиваля и первых объектов в художественном поселении Никола-Ленивец, а также архитекторов Антона Кочуркина и Юлии Бычковой, взявших на себя кураторские и продюсерские хлопоты, приехало человек пятьсот. В 2014 году на фестивале зарегистрировались 15 000 посетителей. Последней статистики пока нет, но и без нее ясно: за десять лет из небольшого творческого слета с центром в Никола-Ленивце  вырос масштабный, не имеющий аналогов в мире проект под открытым небом. Иногда говорят: «музей», но музеи имеют более-менее четкие границы, хранят, экспонируют, изучают, популяризируют. Здесь же на территории, уже переросшей 55 га, непрестанно идут процессы, запущенные фестивалем и вышедшие за его пределы: арт-резиденции, детский лагерь, ландшафтные лектории, лаборатория экожизни «Ферма», парк «Версаль» и многое другое.

Источник фото: http://arch.stoyanie.ru/
Перформанс Андрея Бартенева "Воздушный поцелуй деревьев", 2012

Источник фото: http://arch.stoyanie.ru/
Salto Architects, Fast Track (Cкорая тропа), 2012

Здесь создаются и исследуются разнообразные формы проживания ландшафта, все чаще –  через синтез искусств, в котором объекты, инсталляции, и, прежде всего, сама уникальная природная среда становятся не просто декорациями, но и героями перформансов, произведений саунд-арта, современного балета и других авангардных медиа. Коллекция арт-парка «Никола-Ленивец» сегодня насчитывает около 20 экспонатов, рассеянных по лесам, полям и красивейшим холмам над Угрой. А всего на свет под этим небом появилось 121 произведение. Любые объекты, приуроченные к «Архстоянию» и возникшие вне его, подчиняются общей идее взаимодействия с ландшафтом, открывают  его «места силы», становятся в них опорными точками-магнитами.

Фото: Елена Петухова
Николай Полисский. "Бобур" — объект, созданный не в рамках "Архстояния" между Никола-Ленивцем и Звизжами в 2013 году.

В разные годы фестиваль поднимал темы границ, знаков движения, предлагал изобретать сараи, строить лабиринты, осваивал реку, закладывал основы архполиса, привлекал внимание к проблеме гибели лесов от жуков-короедов и вот вышел в деревню Звизжи.

 «Один из принципов нашей работы  – стимулировать позитивные преобразования, – рассказывает куратор фестиваля Антон Кочуркин. – В ситуации глобального экономического кризиса идеология арт-парка как экспо творческих амбиций мне представляется некорректной. Арт-парк – про мир достатка, где главная цель художественной практики – самовыражение. А у нас по соседству разваливается деревня. Фестиваль уже обеспечил работой часть ее крестьян: одни строят объекты в артели «Никола-Ленивецкие промыслы» и стали художниками-соавторами Полисского, другие обустроили гостевые дома, принимают и кормят туристов. Тем временем общественные пространства Звизжей пребывают в удручающем состоянии. Молодежь тусуется на ветхой автобусной остановке. Вход в сельский клуб находится в аварийном состоянии. Здание сельпо давно превратилось в руину. Мы решили помочь деревне не просто красивыми, но полезными объектами и сделать ее в этом году центром «Архстояния». Донести до населения наши благие намерения было очень непростым, щепетильным делом. Далеко не все местные были рады перспективе вторжения в их тихий быт фестивальных толп. Мы искали общие цели, проводили общественные слушания». В итоге мы нашли общий знаменатель. Радостное чувство возникло, когда заработал деревенский социум – все включились! И нашли для себя свой фестиваль. На центральной улице заработал сельский маркет, а в клубе – детские мастерские со «смешанным» тьюторским составом. Фестиваль получился совсем другого качества, применив инструменты комплексного развития территории» (фото: Екатерина Баталова). 

Вид с крыши сельпо

Звизжи действительно встретила гостей радушно. Оказалась уютной, живописной деревушкой. Около 200 жителей, три улицы, кафе, конюшня. Да, видно, что многие дома нуждаются в ремонте, но летом все тонет в зелени, и ветхость архитектуры не слишком цепляет глаз. В отличие от радостных подсолнухов в огородах, столбов с деревянными птицами Полисского на участках, чрезвычайно ласкового кота, вольготно гуляющего по проселочной дороге, размытой дождем, и умудряющегося оставаться при этом  белоснежным. На главной улице деревенские жители выставили прилавки с домашними пирогами, вареньями и соленьями, продукцией «Никола-Ленивецких промыслов» и другими сувенирами ручной работы.

Въезд в Звизжи теперь отмечает восьмиметровый глинобитный столб, выросший посреди картофельного поля и словно из его почвы – крепкий, коренастый, перекликающийся с водонапорными башнями, характерными для сельских ландшафтов. Авторам объекта – Сергею Чобану и Агнии Стерлиговой – организаторы предложили создать знак, по которому путешественники будут опознавать Звизжи среди других деревень. Однако архитекторы пошли дальше и наделили свое сооружение не только функциями дорожного ориентира, но и музея сельского труда и быта.

 

Фото: Дмитрий Чебаненко

Фото: Дмитрий Чебаненко

В башне есть дверь – подчеркнуто древняя, потертая, филенчатая – своеобразный «привет» «Ротонде» Бродского. Внутри можно увидеть старинные инструменты и утварь, собранные в окрестных деревнях. В пространстве круглой высокой башни, в свете, льющемся сверху из единственного окна-фонаря, незатейливые, когда-то совершенно обыденные предметы – мотыги, вилы, колеса, упряжь, ковши, корыта, пилы  – выглядят драгоценными артефактами. В творчестве Сергея Чобана этот объект логически продолжает размышления о первоформах русской допетровской архитектуры. Круглую колонну с квадратным завершением, воспроизводящую деталь Мирожского монастыря в Пскове, архитектор представлял как символ национальной идентичности на выставке «Генетический код» в рамках «Зодчества-2014». 

Фото: Дмитрий Чебаненко

 Фото: Елена Петухова

Фото: Дмитрий Чебаненко

Фото: Дмитрий Чебаненко

Фото: Елена Петухова
Архитектор Алексей Козырь дает интервью

За преображение любимого места сборищ молодежи взялся архитектор Алексей Козырь. По его проекту была «препарирована» и перекроена железная автоцистерна, в которой перевозили муку. «С точки, на которой стоит остановка, открывается великолепный вид на деревню. Поэтому объект называется «Бельведер Звизжский». Цистерна напомнила мне о бочке Диогена Синопского. Я хотел создать место, в котором можно уединиться и предаться размышлениям, место медитации и созерцания. Кроме того, мой объект наделен формами, отсылающими к культам плодородия, образу матери-кормилицы – теме, всегда актуальной для деревни», – рассказал автор. 

https://www.facebook.com/events/615995958545003/

Разрезанная цистерна с внешней стороны получила две выпуклости, оканчивающиеся круглыми дисками-витражами -— их создала специально для этого проекта художник Мария Кошенкова. Узор витражей, просматривающихся с обеих сторон, напоминает зрачок в радужной оболочке. То есть и это сооружение выполняет «сверхзадачу»: вместо обычной остановки у Звизжей появилась «глазастая» скульптура-оберег, но в то же время она отлично справляется с главной функцией – укрывает от дождя, ветра и палящего солнца.

Чудесная метаморфоза происходит с бывшим сельским магазином. Развалина в центре деревни снаружи и внутри обрастает покровом из деревянных брусочков, нанизанных на металлические стержни. У всех на глазах материализуется структура органических очертаний, похожая на гигантский муравейник.

Фото: Алексей Народицкий

«Мне давно хотелось привести в порядок эту руину, казалось, что она, находясь в самом центре деревни, была символом разрухи, портила ауру деревни, – поясняет Николай Полисский, автор объекта «СЕЛЬское Потребительское Общество. – Мы починили крышу, сделали хорошую гидроизоляцию. Деревянные бруски – наш рисайклинг, отходы производства «Никола-Ленивецких промыслов». На всю скульптуру их не хватило, денег пока нет, но потихоньку доделаем, достроим всем миром».

Фото: Елена Петухова

Полисский видит в своем сооружении некий храм, возможно, храм искусства. Во время «Архстояния» в одной из ниш внутри, как в апсиде, размещался прилавок с весами – память о прежней судьбе постройки. В дальнейшем она вряд ли будет функционировать как продуктовый магазин, хотя здесь вполне можно было бы продавать сувениры, обустроить кафе, информационный и образовательный центр, устраивать концерты и собрания, впрочем, некоторые из этих функций успешно выполняет сельский клуб.

 

Сельский клуб в Звизжах – одноэтажная кирпичная постройка, с архитектурной точки зрения ничего особенного не представляющая, но активно функционирующая по назначению. Внутри – просторный актовый зал со сценой, где справляют свадьбы, отмечают дни рождения, занимаются в кружках, танцуют, собираются, чтобы обсудить дела и так далее. Меж тем входить в здание стало небезопасно – крыша сползала вместе со снегом, крыльцо развалилось. По проекту Валерия Лизунова и Екатерины Агеевой (бюро Archpoint) обветшавшую входную зону не просто укрепили, но из 12 тонн деревянных досок сконструировали целый портал, развернувшийся сложным крылом-веером вокруг двери. Источником вдохновения архитекторам послужила традиционная деревенская игрушка – птица счастья. Возможно, с новыми объектами, символизирующими созидание, плодородие и благополучие и с помощью «Архстояния», Звизжи, сегодня маленькая, небогатая деревушка, превратится в процветающий районный центр. Главное, чтобы при этом она сохранила свою аутентичную среду и глубокую связь с природой. 

Источник: facebook Архстояния

Фото: Елена Петухова

 

Официальный сайт фестиваля: http://arch.stoyanie.ru

 





Арх.бюро
Люди
Организации
Производители
События
Страны
Наши партнеры

Подписка на новости

Укажите ваш e-mail:   
 
О проекте

Любое использование материалов сайта приветствуется при наличии активной ссылки. Будьте вежливы,
не забудьте указать источник информации (www.archplatforma.ru), оригинальное название публикации и имя автора.

© 2010 archplatforma.ru
дизайн | ВИТАЛИЙ ЖУЙКОВ & SODA NOSTRA 2010
Programming | Lipsits Sergey